Pelicula: Reverón

Año: 2011

Director: Diego Rísquez 

Interpretación: Prakriti Maduro, Sheila Monterola, Luigi Sciamanna, Luis Fernández

País: Venezuela

Género: Drama biográfico

Se trata de una historia de amor que transcurre entre 1924 y 1954 a la orilla del Mar Caribe donde descubrimos el universo del gran artista plástico venezolano Armando Reverón, su relación con Juanita su musa e inseparable compañera, los amigos que los frecuentan, la construcción y recreación de los objetos que forman su mundo, su obsesión por la luz del trópico que lo enceguece. Veremos el desarrollo de su enfermedad mental y el universo lúdico, afectivo y doloroso dentro de ese espacio mágico denominado El Castillete.

Es una obra biográfica donde el actor principal hace galas de esa personalidad teatral de la cual contaba el verdadero Reverón. La parte mágica religiosa, el juego de disfraces. Todo el entorno de aquella miseria social rodeada de aquella riqueza intelectual, pictórica, artística teatral donde se desenvolvía la obra. Todo esto me hace analizar la película de Reverón desde ese mundo subjetivo donde los grandes artistas son absorbidos por la musa de la creación para dar lo máximo de su creatividad. El amor a esa playa, con ese sol del caribe permiten que ese genio de la pintura pueda dar rienda suelta a su creatividad.

Mi respeto y mi admiración al actor Luigi Sciamanna como venezolano por su excelente trabajo teatral, ya que pudo llenar la expectativa de lo difícil que era personificar a ese Reverón tan subjetivo, mágico y polémico 

Excelente película venezolana.

Fabián Requena

Película: Cría cuervos …..

Año: 1975

Director: Carlos Saura

Interpretación: Ana Torrent, Geraldine Chaplin, Mirta Miller..

País: España

Premio del jurado del Festival de Cannes de 1976

Seleccionada para el Oscar a la mejor Película Extranjera (1976)

Es una película donde se evidencia una actuación espectacular, cuyos protagonistas en su mayoría son niñas (es un trio de niñas). En esta película van apareciendo diversas fotografías, que aluden a los recuerdos, y a lo largo de la película tienen mucha importancia los retratos y fotografías que aparecen constantemente (desde las fotografías antiguas frente a las que la abuela paralítica pasa horas, a las fotografías que observa la niña con gran interés en la habitación de su madre, los marcos con fotografías que abundan en la decoración de la casa, o los retratos que guarda la tía en cajas).

La familia de Cría Cuervos es descrita como una familia de militares, de buena posición, en un ambiente opresivo. 

En la película además de los recuerdos y la familia, está como tema muy importante la infancia. Afronta la infancia desmintiendo el tópico del “paraíso infantil” o la “inocencia o bondad natural del niño”. Es una etapa negra, llena de temores y miedos, y que pude llegar a ser muy cruel para un niño según las circunstancias que este tenga que vivir. 

Ana (Geraldine Chaplin) se dirige a la cámara y rememora su infancia desde la muerte de su padre, ocurrida veinte años antes. Ana se siente responsable, pues cree que muere al ingerir un vaso de leche en la que ella echó una sustancia inocua que la niña consideró veneno. Por ello la chiquilla concluye que tiene poderes especiales, como el de invocar la presencia de su madre muerta hace tiempo. 

El común denominador de la muerte se manifiesta en cada acto que esta niña realiza, entremezclándose los sueños con las realidades. 

Aunque la película sea de 1975, se puede mantener en la actualidad cinematográfica por el derroche de calidad de la obra. 

Fabián Requena

Película: My left foot

Año: 1989

Director: Jim Sheridan

País: Irlanda (Dublín)

Reparto: Daniel Day - Lewis. Brenda Fricker. Ray McAnally, Fiona Shaw, Ruth McCabe, Alison Whelan, Cyrif Cusack, Adrian Dunbar, Hugh Oconnor.

Premios: 2 Oscars: mejor actor (Day Lewis), actriz secundaria (Fricker). 5 Nominaciones.

Esta película es una motivación, ya que el protagonista Christy Brown nació con parálisis cerebral, que le impedía desenvolverse como los demás, creció en el seno de una familia numerosa y humilde, con un padre autoritario, una madre abnegada y unos hermanos atentos y que finalmente contó con el amor de todos ellos que fue un factor importante en su éxito como persona.Si bien en el principio Christy Brown sentía una gran lastima por el mismo, gracias a su espíritu de lucha el va desarrollando habilidades con su pie izquierdo como pintar cuadros artísticos y escribir sus notas y reflexiones, donde muchas veces plasmaba sus sentimientos, emociones y frustraciones, como cuando se enamoró de Eileen Cole, el retrato de su padre y escribir su autobiografía que son los que finalmente le harían superar su difícil situación económica. En la película podemos observar que la mamá de Christy Brown fue un gran apoyo para él y fue ella quién lo contacto con la Dra. Eileen Cole, que lo ayudaría a superar su parálisis obsequiándole el libro de Schakespeare Hamlet, el dilema de la vida, "ser o no ser". Finalmente lo estimula a exponer sus cuadros, y producto de esta cordial relación Christy Brown se enamora de Eileen y es rechazado por ella; esto le genera una profunda decepción quien posteriormente lo supera demostrando otra vez su carácter luchador. Finalmente Christy conoce a su verdadero amor Mary Carr, con quien se casaría el 5 de octubre de 1972. Esta película es una inspiración para todas las personas que tienen o no una discapacidad, nos enseña que cada uno de nosotros construimos nuestro futuro a base de nuestras propias convicciones, esfuerzos y empeños, además nos induce a reflexionar acerca del tipo de trato que le damos a las personas con discapacidad ya que muchas veces podemos portarnos de una manera insensible ante sus necesidades, concentrándonos sólo en sus limitaciones y no en sus potencialidades.

Es una película fascinante, muy barroca, ambientada en un pueblo nórdico, triste, llena de soledad, donde los textos van impregnados de esa prosa de Schakespeare (Hamlet), Dante, Jame Joyce. Ver esta película es para jamas decir "No puedo hacerlo".

Daniel Day - Lewis, un actor de primera, vuelve a ganar un Oscar como mejor actor 2012 en Lincoln, eso da mucho que decir de su excelente trabajo. 

Fabián Requena

Película: Little Ashes

Año:2008

Director: Paul Morrison

País: Gran Bretaña

Reparto: Javier Beltrán, Matthew McNulty, Robert Pattinson, Bruno Oro, Simón Andreu, Vicky Peña, Arly Jover, Esther Nubiola, Ramón Enrich Borrellas, Rubén Arroyo, Marina Gatell, Diana Gómez, Ferran Lahoz, Marc Pujol

En su nuevo trabajo, Robert Pattinson cambia radicalmente de personaje, pasando de vampiro a meterse en la piel de nada menos, que de Salvador Dalí (que compromiso) en ‘Little Ashes’, una coproducción entre España y Reino Unido, Pattinson es uno de los protagonistas de esta historia que narra la supuesta relación amorosa entre el pintor y el poeta García Lorca. Rodada en Barcelona, comparte cartel con el actor español Javier Beltrán.

Es muy poco lo que se ha escrito en cine sobre Dalí. En esta película se visualiza la vida de tres grandes artistas, como Dalí, Garcia Lorca y Luis Buñuel, los cuales se inician en una residencia para jóvenes estudiantes de las artes. Allí transcurre entre licor y tabaco la obra, con un Dali introvertido, egocéntrico ecléctico que hace derroche de su pintura (subrrealista). Un García Lorca con esa poesía tan contestataria para la época y con ese temor a la vida por arrastrar consigo una diferencia sexual. Y Luis Buñuel con su criterio rígido ante la vida. 

Esta obra nos desdobla la conducta de un Dalí poco conocido. Sugiero ver esta obra con un carácter muy critico, ya que se evidencian ciertas fallas biográficas de los personajes, haciendo un corte, tal vez algo amarillista sobre la vida de estos artistas.

No se puede realizar una pelicula biográfica sin empaparse bien de la vida de cada uno. El personaje que hace Pattinson, no termina de llenar la personalidad de un Dali, le falta meterse mas en el personaje, es un Dali muy superficial, lo cual hace que le quite valor a la biografía como tal, solo se centra en la relación sexual de dos seres algo enfermiza, que no termina de definir a Dalí como un pintor subrrealista ni a Garcia Lorca como un poeta.

En mi opinión, queda de parte del espectador calificar la película.

Fabián Requena

Película: AMOUR

Año: 2012
Director: Michael Haneke
Países: Francia, Austria y Alemania
Interpretación: Jean Loui Trintignant (Georges), Emmanuelle Riva (Anne), Isabelle Huppert (Eva), Alexandre Tharaud (Alexandre), William Shimell (Geoff)
Género: Drama

Antes de que la cámara se pose sobre la primera brutal secuencia del filme —un largo flashback sobre un elegante y solitario apartamento—, el espectador intuye que la muerte ha rondado ese lugar y que lo ha hecho muy bien. La irrupción de los bomberos en la vivienda y el descubrimiento del cuerpo putrefacto de una anciana, delicadamente engalanada en una cama, lo confirman. Amor (Amour, Francia, 2012) del director austriaco Michael Haneke, es cine en estado puro: vida y vivencia bajo la lupa de la ficción; pero a la vez no: consisten en una obertura para asumir la decadencia y el envejecimiento, su lado más bello y horrible al mismo tiempo. Sus protagonistas: un par de octogenarios franceses en sus días finales. Se llama Amor y parece claro que para el cineasta el amor y la muerte forman un todo inseparable, dos visiones, una positiva y la otra negativa, de la misma cosa.
Ubicada en el París contemporáneo, el filme narra la historia de dos antiguos profesores de música, Georges y Anne —interpretados por dos titanes de la cinematografía francesa, Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva—, quienes llevan una vida apacible, entre su casa y los conciertos de piano. Tienen una hija (Isabell Huppert), un poco indiferente y a la que no ven con frecuencia. De hecho la cinta abre con Georges y Anne, viendo un concierto de uno de sus alumnos premiados, el famoso joven pianista Alexandre Tharaud (como él mismo lo fue alguna vez). Al final del recital Tharaud entre admiradores esquiva a la mayoría para acercarse a Anna, a quien abraza y besa cálidamente.
Anne de forma súbita presenta un evento cerebro vascular que la conduce directamente al hospital, regresando luego a casa con una parálisis de hemicuerpo derecho. De esta manera se desencadena la trama de un proceso degenerativo de dicha patología Donde su esposo abnegado la atiende de forma dedicada, creándose día a día el conflicto, el cansancio, el orgullo, la culpa, la impotencia ante dicha patología y la no evolución satisfactoria que hace que la trama llegue a un fin muy subjetivo, orquestada por cuadros, fotos, recuerdos y sueños que se entrelazan.
Película sin fondo musical, muy lenta, sin traveling, casas vacías y usando muchos recursos metaficcional. Un juego de sueños y emociones. Motivos por los cuales se lleva un Oscar como mejor película de lengua extranjera.
Verla es mantenerse en un estado inexplicable en la butaca.

Fabián Requena

Película: El baño del PAPA
Año: 1988

Director: Enrique Fernández y Cesar Charlone

País: Uruguay (Melo)

Drama - Comedia

En el año 1985, durante su estadía en Latinoamérica, el Papa Juan Pablo II visitará Uruguay con una escala en la ciudad de Melo. Sus habitantes, mayoritariamente de escasos recursos económicos, ven en dicho hecho una eventualidad para salir de la pobreza, y es así que deciden invertir todos sus recursos en diferentes emprendimientos. César Troncoso personifica a Beto, quien ve la posibilidad de hacer de un baño publico un gran negocio.
El baño del papa es la sorpresa del año, una gran película que viene de un país sin tradición cinematográfica, pero que a través de una historia mínima logra construir un relato cinematográfico extraordinariamente maravilloso.
Es de notar que todo el drama, se da dentro de un pueblo (Melo) fronterizo con Brasil, donde el comercio del contrabando es un medio de sustento para estas familias que son muy pobres. Es envidiable la manera que día a día los hombres se trasladan por distintos medios (bicicletas, moto, caballo, a pie) a la búsqueda de su trabajo a través del contrabando de mercancía de consumo diario para revenderlo en su provincia.
La mordida del terrateniente, del guardia fronterizo, el abuso de poder esta contemplado allí como esa ley divina, toda omnipotente sobre una clase social humillada, ignorada, soñadora, trabajadora, con su propia idiosincrasia. Un pueblo lleno de sueños y el detonante los medios de comunicación de forma masiva publicitan la llegada del Papa y con ella el auge de tantos feligreses. Solución a un problema social que a la final fue la muerte de los sueños de todos, un baño nunca acabar. Sueños muertos, sueños rotos. Una burla a nuestra inteligencia soñadora.


Fabián Requena

Pelicula: El Bola

Año: 2000 España
Director. Achero Mañas
Drama (domestico)


El Bola es un niño de 12 años que vive en una atmósfera violenta y sórdida. Su situación familiar, que oculta avergonzado, le incapacita para relacionarse y comunicarse con otros chicos. La llegada de un nuevo compañero al colegio le brinda la oportunidad de descubrir la amistad y una realidad familiar completamente distinta. Todo ello le dará la fuerza necesaria para aceptar y, además, afrontar su propia situación.
Esta película nos llama a cierto grado de reflexión a todos los seres humanos con hijos. Es una película con un final abierto, donde los actores son niños, llena de símbolos para una sociedad en constantes cambios. Tatuajes, hematomas, agujas, maltrato a la infancia, en una familia española de la cual no se puede escapar ningún tipo de familia. Un luto sin concluir por la muerte de un hijo, tal vez, crea la severidad de un padre en el hijo que sigue. Sobre protección ? Castigo ? Una bola de acero como muletilla que posee el niño y un hogar totalmente destruido, sin respeto ni relación.

Fabián Requena